Filmes Filmes de suspense As partes mais confusas do Veludo Azul de David Lynch, explicadas
De Laurentiis Entertainment Group Por Debopriyaa Dutta/12 de maio de 2024 13h45 EST
Esta postagem contém spoilers de “Blue Velvet”.
O mundo cinematográfico de David Lynch oscila entre a dura realidade e os sonhos de pesadelo, onde vidas e locais pitorescos e perfeitos muitas vezes escondem infernos boschianos. Enquanto algumas pequenas cidades Lynchianas são impregnadas de romantismo poético, apesar de abrigarem grandes males (como Twin Peaks), outras, como Lumberton, tecem uma fachada insincera com sua aura de felicidade suburbana: um sentimento que constitui o ponto crucial da sensacional e muitas vezes incompreendida visão de Lynch. “Veludo Azul.” A maior parte do trabalho de Lynch desafia a análise objetiva, pois as ideias fundamentais que ele incorpora em suas histórias parecem abstratas e evasivas, mas estão sempre ligadas à realidade de maneiras essenciais e aterrorizantes. Embora “Blue Velvet” lidere uma das narrativas mais diretas da obra de Lynch – não é nem tão labiríntica nem inebriante como “Inland Empire” ou “Mulholland Drive” – as representações gráficas de impulsos psicossexuais do filme tendem a confundir e alienar, com a fusão do real e do fantástico contribuindo para uma experiência desorientadora.
Os temas que permeiam “Blue Velvet” se transformam de acordo com as lentes usadas para vivenciar o filme, à medida que Lynch leva as ideias tradicionais de significado inerente e causalidade a extremos com imagens surrealistas destinadas a evocar uma reação profunda e subconsciente. É por isso que frases como “O que isso significa?” ou “Aqui está o que aconteceu” tornam-se fúteis, pois a construção lógica de significado não pode ser atribuída aqui do início ao fim. No entanto, podemos tentar dissecar os temas mais amplos entrelaçados em “Veludo Azul”, o que eles podem significar no contexto dos eventos que compreendemos, e como Lynch usa contrastes arquetípicos para retratar a atração vertiginosa da nostalgia em relação a um passado que é não tão otimista quanto gostaríamos de acreditar. Aqui estão algumas das partes mais confusas do filme, analisadas.
O que simboliza a orelha podre e decepada em Blue Velvet?
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A abertura de “Blue Velvet” é a imagem do romantismo carregado de nostalgia, repleto de cercas brancas, rosas vermelhas vibrantes e belos e ricos gramados que contribuem para a fantasia dos subúrbios americanos. Este sonho é destruído quase imediatamente quando o Sr. Beaumont sofre um derrame enquanto rega seu gramado, com a câmera desviando para a vegetação podre, escondendo um ponto fraco que é deliberadamente esquecido em favor da beleza idílica. Quando Jeffrey Beaumont (Kyle MacLachlan) caminha pelas trilhas de seu bairro, ele descobre uma orelha decepada infestada de formigas, fascinado por sua presença e pelo que ela representa. Embora a orelha decepada atue como catalisador para a investigação de Jeffrey sobre o assunto, ela também marca sua jornada para o outro lado, que o atrai com promessas de extremos moralistas.
Lynch se aventura mais profundamente no canal auditivo para desvendar o que ocorre a seguir, usando-o como um canal para um reino adjacente àquele ao qual somos apresentados, como um espelho escuro impregnado de violência contundente e impulsos estranhos. Este reino oculto expõe as hipocrisias do seu irmão gêmeo, onde este mundo não tem espaço para a inocência ou a ingenuidade. A curiosa queda de Jeffrey neste ponto fraco pode ser vista como um desagradável rito de passagem onde ele é exposto às fendas ocultas da violência psicossexual e do desejo, que muitas vezes andam de mãos dadas neste mundo. Um tipo de surrealismo lynchiano também permeia essa realidade, à medida que Jeffrey se encontra em situações mundanas que têm um tom onírico, como quando o personagem extravagante de Dean Stockwell faz mímica de “In Dreams”, de Roy Orbison, que comove Jeffrey profundamente em busca de uma nostalgia indescritível. O ouvido é um veículo de transição para emoções profundamente perturbadoras, mas visceralmente incorporadas à experiência humana.
O que move Frank Booth, o ápice da identidade irrestrita
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A primeira pista de Jeffrey para resolver o mistério é a performer Dorothy (Isabella Rossellini), uma mulher que ele quer desesperadamente salvar das garras de Frank (Dennis Hopper), um agressor sádico que controla o destino e a autonomia de Dorothy. Inicialmente, Frank surge como a antítese do heroísmo ingênuo de Jeffrey, o principal suspeito de seu detetive novato, cujo tipo de maldade parece uma aberração em uma cidade considerada idílica. A sexualidade de Frank só é canalizada por meio de abuso, controle e raiva, e o estranho gás que ele exala entre esses atos de brutalidade o faz se sentir muito distante de como a maioria dos humanos funciona. Este homem respira como ninguém e canaliza suas emoções em extremos imprevisíveis, expondo repressões psicossexuais profundas e noções distorcidas de masculinidade. A terna vulnerabilidade não está no vocabulário de Frank – ele representa o mal desenfreado, com muito medo da luz, pois pode expor as frágeis falácias que contribuem para a sua natureza agressiva e volátil.
A obsessão de Frank por Dorothy se estende a Jeffrey, pois ele não é apenas um espinho que perturba sua fantasia de controle sobre ela, mas também um objeto dos desejos reprimidos de Frank, que ele expressa por meio de explosões de agressão carregadas de toxicidade carnal. Sempre que Frank está muito perto de provar algo verdadeiramente belo ou transcendente, como uma apresentação de “Blue Velvet” no clube, ou a comovente versão mímica de “In Dreams”, ele ataca para preservar sua realidade cuidadosamente construída que prospera no freudiano. princípio do prazer. Embora Jeffrey experimente esses extremos depois de sentir repulsa e fascínio pela existência de Frank, ele deve eliminar a identidade irrestrita de Frank para retornar ao seu mundo fantástico de cercas brancas e ignorância feliz. Uma vez destruído o id freudiano, a enganosa normalidade do ego de Jeffrey assume o controle, pondo fim à aventura.
O que Dorothy e Sandy representam na jornada de Jeffrey?
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Lynch enquadra as duas mulheres em “Blue Velvet” através das lentes do complexo psicanalítico Madonna-prostituta, onde as mulheres são percebidas em extremos patriarcais que culminam em arquétipos desumanizantes. Enquanto Dorothy representa uma fantasia sedutora com elementos que ultrapassam limites que são ao mesmo tempo atraentes e repulsivos para Jeffrey, Sandy (Laura Dern) é o epítome da inocência sexual que incorpora o arquétipo da “garota da porta ao lado”. Jeffrey oscila entre as duas mulheres depois de ser apresentado à escuridão da realidade suburbana, e sua introdução a Dorothy se dá por meio de um ardil mal disfarçado que se estende ao voyeurismo, onde ele testemunha as depravações deste mundo em primeira mão. Se a queda de Jeffrey nesta toca do coelho é um rito de passagem, então seu relacionamento com Dorothy denota uma transição para a idade adulta, repleta de compreensão de intensa dinâmica sexual, onde a linha entre o sadomasoquismo e o abuso desenfreado se confunde.
Depois que Jeffrey bate em Dorothy durante o sexo (depois que ela pede), ele fica paralisado pela culpa e vergonha do ato e busca refúgio temporário em Sandy, que simboliza um retorno ileso à linha de base, ancorando-o no mundano. Porém, o relacionamento deles também é transgressor, pois Dorothy já tem namorado, e seus encontros com Jeffrey a pretexto de investigar o ouvido levam a algo tangível. Para Jeffrey, Sandy mantém os altos do sonho americano imaculado pela escuridão, e ele retorna para ela no final, onde os dois optam por fechar os olhos aos horrores que experimentaram, seja diretamente ou por procuração. O sonho crédulo (mas esperançoso) de Sandy sobre os tordos que representam o amor eterno é concretizado, mas ela ignora a violência inerente ao ato do tordo comer um verme no final. Nesta fantasia ilusória que constitui a sua realidade, a ignorância é uma bênção.
Absurdo e subversão surrealista em Blue Velvet
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Como mencionei anteriormente, não há respostas objetivas para explicar as realidades cíclicas e interconectadas (ambas fantásticas) em “Veludo Azul”, já que as imagens intensificadas são uma parte intrínseca da estrutura visual e temática do filme. Alguns aspectos do filme são dolorosamente sinceros, como o sonho de Sandy de que a escuridão se dissipa com a chegada dos tordos, enquanto outros sublinham as ilusões cruéis de fantasias suburbanas vividas que mantêm seus traumas e transgressões escondidos sob a vegetação rasteira. Essas forças predatórias semelhantes a insetos espreitam sob a fachada, e pessoas como Jeffrey muitas vezes se aventuram nesses pontos fracos enquanto fingem ser alguém que não são, como seu ardil de ser um exterminador quando investiga o apartamento de Dorothy. Com o tempo, essas metáforas do inseto tornam-se mais pronunciadas, com a presença do homem amarelo que paira nas periferias até ser esmagado no final.
Jeffrey, que precisa dar um passo à frente após o derrame de seu pai, tem a oportunidade de perscrutar o abismo e compreender de forma inata os extremos da natureza humana. No entanto, ele está longe de ser um observador mudo – ele é um participante ativo que está preso entre ser homem e besta, onde a redenção só vem depois que ele desenraiza o mal e o reassimila na fantasia da normalidade. Dorothy também se reencontra com seu filho, mas o assassinato de seu marido, juntamente com a brutalidade de Frank, irão assombrá-la, já que a sociedade é dura e cruel com as vítimas de abuso patriarcal. Estas subversões são concebidas para perturbar, uma vez que as pessoas não podem sair ilesas após uma viagem que altera para sempre a paisagem psicossexual da sua identidade, que usamos como ferramenta para descodificar e perceber os outros.
O conforto do veludo azul é apenas temporário, pois também carrega marcadores de violência: um lembrete constante das monstruosidades do próximo e dos nossos.