E se houvesse um ponto de encontro onde o cinema, a literatura, a religião, a atualidade e a história pudessem coincidir a ponto de se fundirem? Um local ideal onde estas linguagens tenham a possibilidade de se sobreporem, e de darem vida a algo que consiga aliar tradição e inovação. Se tal lugar existisse então poderia muito bem ser a filmografia dos irmãos Paolo e Vittorio Taviani.
Os irmãos Taviani na Berlinale em 2012
A centelha que deu origem à sua filmografia vem do ramo mais político do Neorrealismo italiano, aquele que abraçou a narração deste último, encontrando nas suas histórias a verdade a ser servida, mas também a musicalidade cinematográfica e o melodrama mais cru para criar poesia. e lirismo visual que a distingue há mais de meio século. Um desdobramento que na ideia dos irmãos toscanos era ir ao encontro das reflexões agudas, amargas e apaixonadas dos grandes escritores locais (principalmente Luigi Pirandello, basta pensar em Kaos de 1984, um filme episódico inspirado em quatro novelas durante um ano) e dos grandes protagonistas do pensamento literário mundial (Tolstoi acima de tudo, vejam São Miguel tinha um galo e O sol mesmo à noite). As reflexões ambientadas em cenários rurais abrigam microcosmos populares, representando os grandes pontos de viragem históricos (a história do genocídio arménio em The Lark Farm) e locais metafóricos dos conflitos existenciais da humanidade.
Os irmãos Taviani com o Urso de Ouro.
O seu cinema foi, até ao fim, um cinema complexo, repleto de armadilhas semânticas e simbolismos recorrentes, no qual foi possível fazer coexistir uma importante ideia artística, um elevado e misterioso sentido de espiritualidade e uma vontade de contar a realidade através de todas as possibilidades que o meio cinematográfico permite. Um cinema capaz de proporcionar sequências icônicas, momentos de extraordinária doçura e cenas de crueldade quase intolerável, características de uma humanidade sem censura, dividida entre baixezas animalescas, grandes pensamentos e sentimentos canibalizantes. Todos os aspectos presentes em suas obras, desde os primeiros documentários e as colaborações com aquele “companheiro” de Valentino Orsini do cineclube de Pisa até a encenação do romance partidário de Beppe Fenoglio, último filme realizado em casal, pouco antes da morte de Vittorio Taviani.
Os irmãos Taviani no set.
Quanto ao último título com a assinatura “Taviani”, precisamos chegar a Lenora Addio a partir de 2022, exatamente 60 anos após sua estreia. O filme ainda baseado num escrito de Pirandello e premiado com o FIPRESCI na Berlinale, o mesmo festival que uma década antes premiou o seu maravilhoso César Deve Morrer com o Urso de Ouro (apenas seis diretores italianos conseguiram). Estamos falando do último título porque na noite de 29 de fevereiro, dia que acontece a cada 4 anos, também faleceu Paolo Taviani, que trabalhava em um novo título, Canto delle Meduse. O fim de uma era extraordinária para o nosso cinema representado por dois autores de valor inestimável que aqui tentamos homenagear citando 5 dos seus filmes, não movidos pela intenção de resumir a força das suas carreiras, mas pela vontade de convidar as pessoas a descobrir ou redescobrir todo o seu trabalho.
1. Os subversivos
Lucio Dalla em Os Subversivos.
2. Allonsanfàn
Marcello Mastroianni em Allonsanfàn.
A primeira colaboração entre os irmãos Taviani e Ennio Morricone acontece em Allonsanfàn, filme de 1974 estrelado por Marcello Mastroianni, durante uma das sequências mais icônicas de toda a filmografia dos diretores toscanos. Talvez o mais impressionante em termos de poder e representatividade. O filme foi apresentado na Quinzena dos Realizadores do Festival de Cannes de 1975 e deve o seu título a uma espécie de italianização das primeiras palavras da Marselhesa, “Allos enfants”, uma sugestão de uma reapropriação desorganizada da cruz e do deleite. ideologia revolucionária de Fúlvio, um aristocrata ex-jacobino, ex-oficial napoleônico e ex-membro de uma seita carbonária, libertado durante a Restauração porque agora era considerado inofensivo.
Uma observação exata, visto que o homem já está cansado de lutar, enfraquecido pelos fracassos e agora convencido de que os velhos ideais acabaram. No entanto, a antiga paixão está sempre à espreita e uma visão jovem, decrépita e sonhadora é suficiente para fazê-la ressurgir. Um filme complexo que narra a odisséia tragicômica de um resquício de uma época passada, dividido entre a vontade de sobreviver, valendo-se até de ignomínias inéditas para com seus antigos companheiros e seus antigos valores, e o desejo de vestir as roupas que voltou a usar. eles animaram sua vida e gritaram para o mundo que ele não estava errado.
3. Mestre pai
Uma das cenas icônicas do Padre Padrone.
Padre Mestre, Palma de Ouro no Festival de Cannes de 1977 é o filme mais conhecido e premiado dos irmãos Taviani e um dos mais apreciados de todo o movimento italiano dos anos 70. A história de sua criação começa de longe, dada a vontade de fazer esse filme que germinou na cabeça dos diretores ao lerem a matéria de jornal que relatava a história de Gavino Ledda, antes mesmo de ele escrever o romance autobiográfico de mesmo nome do qual o título foi então desenhado livremente. O filme é uma obra de emancipação simbólica de toda uma geração, contada através da história da escravidão patriarcal perpetrada contra uma jovem sarda forçada a abandonar a escola para trabalhar na terra da família. A história de um conflito, num certo sentido um filme que conta uma guerra pela conquista da própria vida, tentando aliar o amor à terra e às raízes com o da fuga, do ar, da música e das artes capazes de fazer voar . Filme criado com o desejo de destruir o sentimento de culpa chantagista que não permite alcançar aquela liberdade que também deve ser obtida lutando fisicamente contra o opressor.
Padrelord é um título com uma potência incrível, capaz de retrabalhar o neorrealismo segundo a perspectiva tavianiense e consegue aliar a fábula local ao mito clássico para falar do contemporâneo. Talvez o ápice da ideia de cinema dos diretores (apesar das polêmicas que suscitaram muitas críticas dos sardos) porque, apesar de ter nascido como teledramaturgia, foi vencedor no salão excepcional do cinema mundial. Um sucesso pela vontade inabalável, coincidentemente, de Roberto Rossellini, que presidiu aquela comissão do evento. Quase um último gesto simbólico, visto que faleceu pouco depois.
4. A noite de São Lourenço
Uma cena de A Noite de San Lorenzo.
História, notícias e história pessoal. Esses são os três ingredientes de La notte di San Lorenzo de 1982, Grande Prêmio Especial do Júri na 35ª edição do Festival de Cannes, filme em que os irmãos Taviani disfarçaram sua cidade natal, San Miniato, com o nome fictício de San Martino. para narrar o famoso massacre da catedral de 22 de julho de 1944, erroneamente atribuído aos alemães, mas na realidade levado a cabo pelo exército Aliado. Uma voz feminina introduz uma história coral, que mais do que dar importância aos acontecimentos políticos que animaram os movimentos de Libertação, centra-se nos acontecimentos pessoais dos protagonistas, vítimas de um momento de confusão, violência e ódio, em que desaparecem bandeiras e facções. visto que todo mundo morre em campo. Não uma notícia fria, mas um movimento de emoções e ambições, que move os passos dos sobreviventes, dilacerados pela luta contínua. Um dos filmes mais dramáticos dos irmãos Taviani, que no entanto, além de relatar o sofrimento de uma população camponesa vítima do que foi, fundamentalmente, antes de mais, um grande massacre, quer centrar-se na sua força de espírito. Um grupo de pessoas que se tornaram protagonistas de um êxodo, como outras populações foram obrigadas a fazer antes delas, em busca de liberdade (liberdade novamente), a ser buscada em todos os sentidos e que tem dentro de si a promessa de um futuro melhor.
5. César deve morrer
Uma cena chave de César Deve Morrer.
Quando falamos, no início da matéria, sobre a capacidade dos irmãos Taviani de utilizar todas as ferramentas concedidas pelo cinema, contamos com a possibilidade de poder falar do já citado César Deve Morrer de 2012. O filme que ganhou em Berlim e que entre os grandes méritos que possui do ponto de vista dramatúrgico, atuante e ideativo, destaca-se por ter dado aos diretores uma nova vida cinematográfica. Um maravilhoso docu-drama que conta a produção e encenação de Júlio César, de William Shakespeare, dentro da prisão de Rebibbia, tendo como protagonistas presidiários reais (alguns até iniciaram carreira no cinema graças ao filme).
Um tratado cinematográfico sobre o significado da construção visual da cena, sobre a capacidade de unir o indivíduo e a comunidade e as nuances estilísticas onde o cinema e o teatro podem se encontrar. Um filme sobre o sentido terapêutico da arte e a imortalidade da partilha e da cooperação, bem como um aviso social e político muito poderoso: o objectivo da detenção na prisão deve ser ajudar as pessoas que precisam de ser reintegradas a recuperar o seu sentido de comunidade e sociabilidade e não apenas para ser punido. Uma ideia de cinema muito elevada, contemporânea e total.